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Lenguajes musicales contemporáneos: Cuatro discos importantes para Hector Murrieta

El guitarrista, compositor e intérprete nos comparte cuatro álbumes esenciales en la música contemporánea y nos presenta su trabajo.

Esta primera entrega sobre música contemporánea en México inaugura una serie que pretende abrir espacio a compositores mexicanos con un lenguaje original. Presentaremos, número tras número, por los próximos seis meses, el trabajo de dos compositores contemporáneos y su forma de relacionarse con la música y el proceso creativo. A su vez, esta será una serie dedicada a trabajos y métodos de la música contemporánea bajo una perspectiva crítica a la realidad social, la educación musical, y la cultura del escucha en México.

Así como existen diversas caras de México en lo tocante a movimientos sociales, lugares, etnias e idiomas, existe también la otra música mexicana; música contemporánea que dentro de la cultura del consumo se abre paso para comunicar la realidad, para hacer valer el proceso creativo, y al mismo tiempo tratar de llegar y conmover a más oídos, mentes, almas.

Es una imperiosa necesidad que la música contemporánea en México llegue a un público más amplio, que vaya más allá de los círculos elitistas en donde tiende a hacerse de las medallas que les colocan intelectuales y académicos, de los círculos en donde estos se apropian de lo que la música quiere comunicar, alejándola del público, que puede aprender de los procesos creativos y tiene derecho a disfrutar y enriquecerse de la producción mexicana actual en los espacios culturales destinados a este propósito. Son fundamentales y necesarias más grandes iniciativas por parte de sector público, privado y por individuos como promotores y gestores culturales, para que la música contemporánea pueda llegar a lugares en los que falta acceso.

Por ende, para lograr una mayor repercusión, también debe tocar el oído de la sociedad de a pie y debe comunicar sus razones al mundo del cual toma inspiración; por ello, encuentro sano que la música contemporánea mexicana le hable a esta época, y que transmita mediante su propio lenguaje elementos de realidad a la mano. Que el artista comunique su forma de relacionarse con el mundo y que mediante su arte se abra paso entre las múltiples variables sociales que la circundan; es decir,  que cree realidades nuevas a partir de los elementos tangibles con los que trabaja su arte y con los cuales envuelve nuestros sentidos.

Actualmente, la música contemporánea ―en el sentido académico del término― ha venido experimentando una transmutación a través de la cual busca entablar diálogos con otras disciplinas. Por esta razón, en nuestro país varios artistas toman como punto de partida la multidisciplina y la interdisciplina y orientan su trabajo hacia vertientes de arte que buscan fundir e integrar múltiples caras de la realidad.

El trabajo del Guitarrista Héctor Murrieta es un claro ejemplo de esta forma de relacionarse con el arte y de que la música contemporánea, además de estar en las salas de concierto y los recitales oficiales, también puede compartir escenario con otras artes y llegar a todo tipo de públicos.
Héctor, junto con la actriz escénica Dora Hagerman, es fundador de Komorebi, una compañía de artes escénicas que integra la danza, las artes visuales y la música experimental conjugando a un gran equipo de artistas y técnicos que hacen de cada una de las piezas una experiencia holística dirigida a todos los sentidos.

Compuso gran parte de la música de la obra Hikari, de la compañía, complementada por composiciones de Tristan Murail, Elliot Sharp y Alex Shapiro, todas interpretadas por él.

Asimismo, Héctor Murrieta es compositor e intérprete, y ha publicado tres álbumes:
De oriente a occidente, una interpretación de música del siglo XX; Ascensión, una colección de temas del barroco; y Entre senderos, álbum publicado en 2009, que incluye la obra de compositores contemporáneos como Manuel de Falla y Toru Takemitsu.

Héctor estará presente en una compilación llamada Everything is practice, la cual comprende trabajos de compositores como Jake Blanchard, Jon Collin, Mortuus Auris & the Black Hand, Parashi, Port Tropique, Rambutan, Elizabeth Veldon, y Xanthocephalus. Este álbum será publicado en www.abctrust.org.uk, y lo recaudado irá a la organización sin fines de lucro Action for Brazil’s Children (ABC).

Actualmente Héctor se encuentra grabando un disco con obras de Elliot Sharp, Alex Shapiro, Tristan Murail, John Zorn, Jacob ter Veldhuis y Fausto Romitelli. Y está comenzando otra producción con obras de Graciela Agudelo, Omar Rojas, Charly Daniels, Jean Angelus Pichardo, Rogelio Sosa, Daniel Grey y Alejandro Colavita; ambos álbumes se publicarán bajo el sello 0 records. .

Komorebi fue una de las compañías que formaron parte del ciclo de danza y música contemporánea que La Hoja de Arena llevó a cabo en Foro Shakespeare en mayo pasado.

Héctor nos comparte cuatro álbumes esenciales en su trabajo y nos explica por qué estos son importantes para la historia de la música. En entrevista para La Hoja de Arena, aseguró que hacer una selección así, habiendo tantos trabajos tan destacados, es un ejercicio de mera subjetividad, y no descartó estar mencionando sus favoritos.

1. Chamber, editado en 2004 por Pitch y American Festival of Microtonal Music. Tiene la peculiaridad de contener la grabación de una de las primeras obras de Julián Carrillo, “Preludio a Colón”, escrita en el sistema que él mismo denominó Sonido 13. La instrumentación consta de una soprano, dos violines, viola, cello, flauta, guitarra de cuartos de tono, y un arpa de dieciseisavos de tono. Las otras obras llevan por títulos “At The Tomb of Charles Ives” compuesta por L. Harrison, regida por un sistema llamado Just Intonation, y hace alusión a la amistad de Harrison aquél. “Ko-lho”, de G. Scelsi, obra para clarinete y flauta, que contiene trazos leves de estética asiática en su hechura. “Anaktoria”, de I. Xenakis, quiere decir “hermoso como un palacio” en griego, fue estrenada en esta grabación de 1986. Hace uso extenso de cuartos de tono, glissandi, tercios de tono y algo que el compositor denominó Stochastic Music. Este término se aplica en situaciones en las que los elementos individuales no pueden ser determinados ya que el conjunto es muy grande. “String Quartet #2”, de C. Ives, tiene tres movimientos: “Discussions” “Arguments” y “The Call of the Mountains”. La intención aquí es usar la música como metáfora de un grupo de cuatro personas. El cuarteto “Flux”, que hace la première en este disco, utiliza de manera extendida una afinación pitagórica, con veintiún notas especificas. Por último, tenemos “Two Settings from Joyce” de H. Partchescrita, en Nueva York, 1944. Contiene dos secciones, “Isobel” y “Annah the Allmaziful”. La letra proviene de un escrito de James Joyce. En el primer movimiento las dos flautas tocan en afinaciones distintas, y en el segundo en el sistema Just Intonation.

2. Quator pour la fin du Temps, de Oliver Messiaen. Editado por EMI Classics y Angel Records en 1969. La primera obra, “Cuarteto para el fin de los tiempos” es interpretada por Erich Gruenberg al violín, Gervase de Peyer al clarinete, William Pleeth al cello y Michael Beroff al piano. Esta pieza fue creada bajo circunstancias muy peculiares: Messiaen fue prisionero de guerra durante la Segunda Guerra Mundial, y escribió esta obra en un campo de prisioneros en Görlitz, Alemania (ahora parte de Polonia). Fue estrenada en 1941 en Stalag VIII-A a la intemperie bajo la lluvia, por el mismo compositor al piano, el clarinetista Henri Okoka, el violinista Jean Le Boulaire y el chelista Ettiene Pasquier. Los movimientos son Liturgie de cristal, Vocalise, pour l’Ange qui annonce la fin du temps, Abîme des oiseaux, Intermede, Louange a l’éternité de Jésus, Danse de la fureur, Fouillis d’arcs-en-ciel, y Louange a l’immortalité de Jésus. Esta obra es punto de referencia en la obra del compositor, junto con el Catalogue d’ oiseaux. El disco cierra con Chronochromie, 2 palabras griegas que quieren decir “el color del tiempo”, interpretada por la BBC Symphonic Orchestra conducida por Antal Dorati. La introducción y coda de esta pieza comparten material temático.

3. In an Autum Garden, música de Toru Takemitsu (1930-1996). Disco publicado por Deutsche Grammaphon. Contiene las siguientes piezas: “In an Autum Garden”, “Voyage”, “Autum”, “November Steps” y “Eclipse”. Interpetan Kinshi Tsuruta en la Biwa y Katsuya Yokoyama al Shakuhachi. Estos instrumentos japoneses tienen una sonoridad bastante peculiar. De todas estas obras, “In an Autum Garden” es la que ocupa un lugar especial. Fue escrita para una orquesta de gagaku, dando la sensación de una sonoridad folclórica y original. De todas las obras de este compositor, esta remite más que cualquier otra a lo “tradicional japonés”. El compositor mismo mencionaba querer desarrollarse en dos direcciones al mismo tiempo; En términos de la tradición oriental y la innovación del oeste.

4. Prisma, con música de Kaija Saariaho. Disco editado por Montaigne/Naïve, que contiene obras cortas pero seminales en la producción de esta gran compositora. “Lonh”, para soprano y electrónica; “Pres”, para violonchelo y electrónica; “Naonao”, para flauta y electrónica; y “Six Japanese Gardens” para percusión y electrónica. Interpretan Dawn Upshaw (soprano), Anssi Karttunen (cello), Camilla Hoitenga (flauta) y Florent Jodelet (percusiones). “Lonh” quiere decir “desde lejos” en occitano, y está basada en un texto en provenzal que el trovador Jaufre Rudel solía cantar en la Edad Media. Contiene trazos de escalas diatónicas que se entrelazan con notas en suspenso y electrónica circundante. “Pres” incorpora un ambiente en aparente suspenso, con trinos y sus respectivas prolongaciones, ritmos ostinatos, sonidos graves y desarrollos de secciones polifónicas que oscilan entre efectos y ruido. “Noanoa” quiere decir “odor” en tahitiano, y hace referencia a las artes plásticas y al artista Paul Gauguin. Fue estrenada en 1992 por Camilla Hoitenga. La compositora toma “prestado” material de su obra para ballet “Maa” y lo transforma para esta nueva obra.  Iconofinaltexto copy

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